La fotografia, nel corso della sua storia, ha attraversato diverse trasformazioni. Oggi però, con l’avvento dell’intelligenza artificiale, sta vivendo qualcosa di più profondo: una vera e propria rivoluzione.
Al di là dei facili allarmismi e delle solite estremizzazioni (“la fotografia è morta”, “l’IA sostituirà i creativi”) l’intelligenza artificiale è entrata a far parte delle nostre vite in modo rapido e quasi silenzioso. Ci permette di svolgere attività che fino a poco tempo fa sembravano inimmaginabili e, allo stesso tempo, è già diventata così “normale” da influenzare il nostro modo di pensare prima ancora che ce ne rendiamo conto.
Come sta cambiando la fotografia con l’IA?
Oggi i modi per generare o modificare immagini con l’IA sono tantissimi, veloci e sempre più sofisticati. Basta scorrere i feed dei social o le varie piattaforme per rendersene conto: milioni di immagini nate da prompt più o meno fantasiosi. Tutto estremamente semplice e rapido, a volte fin troppo.
Il rischio è quello di ottenere risultati omologati, stereotipati o eccessivamente artefatti. Eppure, in molti casi, diventa difficile distinguere una fotografia reale da una generata artificialmente.
È qui che entra in gioco il fattore umano. Quello che, almeno nelle intenzioni, dovrebbe continuare a fare la differenza in ogni processo creativo. La vera domanda allora diventa: come sfruttare le potenzialità dell’IA mantenendo una propria autenticità visiva e progettuale?
Per provare a rispondere, ho deciso di fare un esperimento: inserire l’intelligenza artificiale all’interno del flusso creativo di un progetto fotografico, immaginando un piccolo viaggio nel tempo.
Ho preso una Yashica FX-D, una macchina fotografica analogica prodotta tra il 1980 e il 1984, l’ho fotografata in still life e, con l’aiuto dell’IA, l’ho inserita in un’ambientazione coerente con quell’epoca, come se l’immagine finale fosse stata realmente scattata nei primi anni ’80.
FASE 1: LO SCATTO
Per lo scatto ho scelto di posizionare la Yashica su un piano di legno e di inquadrarla lateralmente, con un punto di vista leggermente dall’alto, così da esaltarne le forme spigolose e la solidità del corpo macchina.
L’illuminazione è una luce morbida laterale, pensata per modellare i volumi senza creare contrasti troppo marcati. Il piano è un legno marrone di tonalità media, con venature regolari e senza nodi o segni evidenti. Una scelta voluta per restare coerente con l’epoca, evitando un effetto “vintage” artificioso o troppo costruito: la fotografia doveva partire da una base neutra e credibile.
Scatto originale
FASE 2: PRIMO EDITING IN LIGHTROOM
Nel primo passaggio di editing ho lavorato esclusivamente sull’atmosfera generale. Con Lightroom ho abbassato leggermente la saturazione, raffreddato di poco la temperatura colore e ridotto il contrasto, cercando un look più morbido e controllato.
L’obiettivo non era invecchiare l’immagine, ma accompagnarla verso una resa più coerente con l’estetica dei primi anni ’80. A questo punto lo scatto di base è completo e pronto per l’intervento dell’intelligenza artificiale, che entra nel flusso come estensione del set fotografico, non come sua sostituzione.
Primo editing in Lightroom per ottenere un mood ispirato agli anni 80
FASE 3: ESPANSIONE GENERATIVA IN PHOTOSHOP
Una volta definito il soggetto principale e l’atmosfera dello scatto, il passo successivo è stato costruire lo spazio attorno alla fotocamera: sfondo e props.
Per gli oggetti sul piano ho evitato riferimenti troppo espliciti o stereotipati dell’epoca, come ad esempio un walkman. Ho preferito elementi più neutri e credibili in un contesto di lavoro: una rivista, un quotidiano, una penna e due strisce di negativi, disposti in modo da suggerire un processo fotografico in corso senza rubare attenzione al soggetto principale.
Per lo sfondo l’idea iniziale era ricreare un soggiorno/studio, con una poltrona e una libreria sullo sfondo. I risultati, però, risultavano troppo compressi e privi di respiro. Per questo ho deciso di ampliare l’inquadratura verso sinistra e verso l’alto e di cambiare approccio.
Espansione generativa a sinistra e in alto con Photoshop
Ho immaginato lo spazio come un ufficio o uno studio fotografico, con una grande finestra alle spalle del piano. Attraverso la finestra si intravede il panorama sfocato di una grande città. Dopo diversi tentativi, perché con l’IA i risultati convincenti non sono mai immediati né scontati, ho trovato lo sfondo giusto: una città dopo il tramonto, con il blu del cielo che dialoga con le luci calde degli edifici.
Questo contrasto cromatico crea profondità, separa i piani dell’immagine e contribuisce in modo naturale a restituire un’atmosfera coerente con l’estetica dei primi anni ’80.
Inserimento sfondo e props
FASE 4: ULTIMI RITOCCHI
Nell’ultima fase ho lavorato sulla rifinitura e sull’integrazione complessiva dell’immagine. In particolare ho reso più credibile lo sfondo, attenuando l’effetto di “tenda disegnata” tipico delle immagini generate, così da riportarlo a un ruolo più discreto e naturale.
Ho poi corretto alcuni dettagli grafici, come il nomi della rivista, scegliendo soluzioni coerenti con l’epoca e mantenendole volutamente secondarie rispetto al soggetto principale.
Come tocco finale ho aggiunto una grana molto leggera, non per simulare una pellicola specifica, ma per restituire una sensazione più analogica e materica all’immagine, contribuendo a legare tra loro fotografia reale e contenuti generati.
Ultimi ritocchi
CONCLUSIONI
Il risultato finale restituisce un’atmosfera anni ’80 coerente con il periodo in cui è nata questa Yashica. L’obiettivo non era replicare un’estetica nostalgica in modo didascalico, ma costruire un contesto credibile attorno a uno scatto reale, lasciando che l’immagine potesse esistere come se fosse stata realizzata in quegli anni.
In questo progetto l’intelligenza artificiale è stata un alleato, perché l’immagine era già chiaro nella mia testa prima ancora di realizzare lo scatto. Allo stesso tempo, una componente di casualità resta inevitabile: per arrivare al risultato desiderato servono molti prompt (ho usato ChatGPT e Perplexity), tentativi e scelte, e non tutti portano nella direzione giusta.
È questo equilibrio tra controllo e imprevedibilità che mi porta a preferire un approccio ibrido. La creazione di immagini interamente generate a partire da un prompt, senza uno scatto reale come base, è un territorio che per ora sento distante: ho bisogno di partire da qualcosa di fotografato, concreto.
Lo scatto reale resta quindi il punto fermo del processo, quello che mi permette di mantenere il controllo e un certo grado di artigianalità fotografica. L’intelligenza artificiale entra come strumento di supporto, non come sostituzione, accompagnando il progetto nelle fasi di costruzione, integrazione e rifinitura dell’immagine.
